Je ne suis pas un héros

En partenariat avec la chaire Jean Monnet Rennes 2, la prochaine séance ciné-tambour, co-organisée par des étudiants en cinéma et en Humanités-Culture classique et modernité européenne, porte sur la figure de l’anti-héros. Elle propose de découvrir et de comparer sur ce thème deux visions, l’une européenne et l’autre japonaise.

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Bonne découverte !

Ι am not a hero

In partnership with the Jean Monnet Rennes 2 Chair, the next ciné-tambour screening, co-organised by students in cinema and Humanities-Classical Culture and European Modernity, will focus on the figure of the anti-hero. The aim is to discover and compare two visions on this theme, one European and the other Japanese.

Et si vous avez raté la séance…

Oedipe Roi. Présentation de Thibault Deveyer et Théa Lexée

Œdipe Roi est réalisé en 1967 par Pier Paolo Pasolini. Ce film est le premier volet de ce que son créateur appellera « la trilogie mythique », qui se composera ensuite de Carnets de notes pour une Orestie africaine (1968), et enfin de Médée (1970). Avant d’être cinéaste, Pasolini est un poète originaire du Frioul, une région dans le nord de l’Italie où il écrit des vers dans la langue traditionnelle. On peut dire que Pasolini a toujours été attaché à la marginalité, la non centralité et ça se retrouve dans son cinéma qu’il puisqu’il met en scène ce qu’il appelle la destruction des sous-cultures (pas dans le sens négatif du terme) par une seule culture économique : celle du consumérisme du monde contemporain qu’il considère comme du néofascisme (Cf. Salò ou les 120 journées de Sodome en 1975). En effet Pasolini est marxiste et, pour lui, les sous-cultures italiennes sont périphériques et représentent des sortes de pôles de résistance au capitalisme et donc à cette modernité destructrice et annihilatrice. Cependant il faut noter que le cinéaste entretiendra toujours un rapport assez contradictoire avec ses pairs puisqu’il sera toujours en porte à faux avec le PCI qu’il considère malgré tout, d’après ses mots, comme une sorte de seconde église. À partir de ça, on comprend que le cinéaste pose un regard complètement anticonformiste et critique sur la société qui peut se lire à travers son personnage d’Œdipe qui apparaît précisément comme un être politique puisqu’il va se poser des questions identitaires notamment sur sa classe sociale. Dans Œdipe Roi, il va en quelque sorte renouer avec une forme d’ambiguïté car son personnage est complètement traversé par une sorte de mal-être sur son temps qui va se traduire directement par la grande place laissée à la foi et la religion dans le récit, thématique qu’il lui est chère car il se dit être « un religieux sans foi », et je conseille d’ailleurs L’Évangile selon Saint Matthieu (1964). C’est d’autant plus intéressant car le personnage d’Œdipe est précisément un personnage qui a été mythifié et qui pose des questions de libre arbitre, et donc de croyance sur le fait d’avoir le choix d’être le maître de son propre destin. Finalement pour rejoindre la question de la mythification de cette figure qui est au cœur de cette double séance, Pasolini pose la question de l’adaptation à la tragédie qui s’inscrit, comme vous allez le comprendre, dans une temporalité démultipliée par la mise en parallèle du montage qui place nécessairement l’œuvre d’Œdipe dans la dialectique du passé mythique et du temps présent, donc de la contemporanéité du cinéaste. Cette frontière autobiographique très ténue du personnage à son créateur inscrit finalement le personnage Pasolinien dans une sorte de lisière, un rapport de proximité qui malgré son apparente fidélité impose une forme de distanciation qui permet de puiser dans de multiples interprétations à l’aune des questionnements sociétaux du cinéaste. Cela pose ainsi nécessairement des questions d’adaptations. Le mythe d’Œdipe a été de nombreuses fois repris dans différents domaines comme la poésie, le théâtre, la psychanalyse et bien entendu le cinéma. Il est clair que Sophocle nous a offert avec Œdipe roi, une pièce qu’il a écrite au V^e s., une tragédie transgénérationnelle. Nous pouvons faire un petit rappel du mythe : Œdipe, jeune Corinthien, apprend par un oracle qu’il est destiné à tuer son père et à s’unir à sa mère ; il va prendre ses précautions pour que cela n’arrive pas mais malheureusement nous n’échappons jamais au destin. Pier Paolo Pasolini, avec Edipo Re, s’inscrit naturellement dans cette continuité de transmission du Œdipe tragique. Il est évident qu’il a lu Sophocle mais cette séance de cinéma va nous permettre de questionner particulièrement la postérité du mythe tragique. Pour être plus précis, nous allons nous concentrer sur la place du héros tragique dans la société. Est-ce qu’à nos yeux de spectateurs du XXI^e s., Œdipe est toujours un « héros » ? C’est avec ce film que nous allons voir l’ambivalence que représente Œdipe qui, en s’efforçant de faire les bons choix, se retrouve à faire tout l’inverse et à donner une image qui tend davantage vers l’anti-héros. Le réalisateur italien nous offre une réécriture du mythe, en incluant à l’intérieur de paysages antiques des images contemporaines. De fait, malgré les actions d’Œdipe qui peuvent être sujettes à une remise en question moralisante, Pasolini nous offre une vision plus large sur la place de l’homme moderne et sa recherche d’identité. Cette quête d’identité s’exprime dès le départ par ce tout jeune Œdipe abandonné par ses parents, traumatisme qui va le suivre tout le long de son histoire pour comprendre d’où il vient. Pasolini illustre cette recherche du « qui suis-je » par de longues errances d’Œdipe à la recherche du bon chemin. Finalement, le film de Pasolini offre une variation plus autobiographique du mythe qui montre la violence des arrachements successifs que doit vivre un homme pour devenir lui-même. J’aimerais terminer en proposant de dire qu’Œdipe, pourtant voué à la mort dès sa naissance, est l’incarnation de celui qui ne trouve pas sa place et que, par cette image, il nous accompagne tous d’une certaine façon.

Les Funérailles des roses. Présentation de Anaël Coquet et James Bordage

Les Funérailles des roses a été réalisé par Toshio Matsumoto en 1969. Cette séance est le résultat d’un partenariat entre les étudiants de cinéma et les étudiants de la licence Humanités, guidé par Anne Gangloff, professeure d’histoire ancienne à Rennes 2, dans le cadre de la chaire Jean Monnet FABER. En effet, la fabrique des héros et héroïnes depuis l’Antiquité jusqu’à aujourd’hui tend à être interrogée et c’est pourquoi nous nous sommes saisis de cet enjeu pour nous pencher sur la fonction de l’antihéros et notamment son incarnation au cinéma. Dans le film que vous allez voir, la figure d’Eddie, jeune drag-queen japonaise, incarne parfaitement ce rôle à travers différentes thématiques, notamment l’amour, la jalousie, un destin tragique et la recherche de soi. On voit alors naître au second plan une analogie entre Œdipe et Eddie, dans un cadre spatio-temporel renouvelé à travers le cinéma de Matsumoto. La quête identitaire du personnage est essentielle dans la compréhension de ce film, qui rentre parallèlement en contact avec les enjeux sociaux et moraux de cette époque, à l’aube des années 70 à Tokyo, nous plongeant ainsi dans une ambivalence identitaire contestataire de l’ordre établi, que Matsumoto nous donne à voir à travers les reflets. Les miroirs guident le regard des spectateurs au même titre que celui des personnages qui cherchent en vain à s’y voir, cachés derrière les masques qu’ils emploient. Matsumoto cherche ainsi, à travers ce film, à retranscrire l’ambivalence du monde qu’il donne à voir par le prisme d’une certaine binarité entre reportage et fiction, entre comique et tragique, entre homme et femme, entre rêve et réalité, entre vie et mort… En bref, entre liberté et captivité du Moi.

Toshio Matsumoto est un réalisateur qui vient de l’expérimental. Les Funérailles des roses est son premier long-métrage. C’est un film unique en son genre avec sa narration et son montage non linéaires qui mêlent fiction, documentaire et expérimental. On y suit Eddie et son groupe d’amis tous et toutes plus extravagantes les unes que les autres, et leurs tribulations dans la scène underground queer de Tokyo. En explorant leur quotidien, leurs souvenirs, leurs rêves et leurs fantasmes, le film remet en question les normes de genre et les attentes sociales d’un Japon en plein bouillonnement social et culturel. Le film s’inscrit dans la nouvelle vague japonaise qui est un mouvement cinématographique qui se développe autour des années 50-60 dans le Japon d’après-guerre, et qui a une approche expérimentale et novatrice du cinéma, avec des cinéastes comme Shohei Imamura ou Nagisa Oshima notamment, qui remettent en cause les conventions sociales et le médium cinématographique lui-même. Toshio Matsumoto se serait inspiré d’Andy Warhol pour son expérimentation visuelle mais aussi de Jean-Luc Godard dans son engagement, et du cinéma de genre du pinku eiga en vogue au Japon à l’époque, qui est un cinéma à teneur plus ou moins érotique. C’est un film fort et provoquant qui puise dans la sensualité et qui vire tantôt vers la comédie, tantôt vers le tragique, tantôt vers le cinéma-vérité avec des scènes d’interviews très frontales qui apportent à un film complètement déjanté une part de réalité, un retour à la vraie vie. Le réalisateur voulait faire un film autour de la figure de Pita qui incarne le personnage principal d’Eddie et retranscrire la réalité de son quotidien transféminin dans une bouffée de psychédélisme. Le rendu est hyper étonnant. Matsumoto réalise avec Les Funérailles des roses un périple osé et troublant, avec des costumes et un maquillage extravagants, passant par des mouvements corporels et des expressions théâtrales inspirées du Kabuki (une forme de théâtre japonais traditionnel populaire stylisé à l’extrême). À sa sortie, Les Funérailles des roses reçoit des critiques mitigées mais il devient sur la durée un film culte qui a exercé une influence durable sur le cinéma japonais et international. Il aurait d’ailleurs été une possible source d’inspiration pour Orange mécanique de Stanley Kubrick qui sortira deux ans plus tard, dans son caractère subversif et théâtral, et ses scènes de sexe, de violence et de conflit. C’est un film que je suis très content de présenter parce qu’il dépeint quelque chose de jamais vu à l’époque et d’encore assez peu vu aujourd’hui – ce que c’est de vivre en marge – tout en prenant une direction artistique drastique tirant vers l’absurde ou le grotesque mais aussi vers le poétique et le mélodramatique. C’est un film hypnotique qui rejette toute convention sociale et cinématographique, un « métafilm » qui souffle un puissant vent de liberté.

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